FotoEspaña Celebra su 25 aniversario con 118 galerías en Madrid y las ciudades participantes, presentando las obras de 268 fotógrafos y artistas visuales hasta el 28 de agosto.
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De la Escultura de la Realidad: Arriba, Nueva York, 1940, por Helen Levitt; A la derecha, Saint Trans Dance, 1959, de Jürgen Schadberg. Extremo derecho, Rodeo Drive, 1984, por Anthony Hernandez.
El enfoque del festival de este año es escultura de realidad, una encuesta impresionante de fotógrafos que trabajaron en estilo documental desde la década de 1930 hasta la actualidad. Es un panorama tan amplio que la exposición tiene lugar en dos lugares, reservados por el trabajo de Walker Evans, Helen Levitt y Henri Cartier-Bresson, y proyectos recientes de Paul Graham, Bleda e Rosa e Ian Wallace. Es una historia familiar, rara vez contada de forma exhaustiva. Inusualmente, toda la galería de más de 500 obras de 29 fotógrafos proviene de una sola fuente, Per Amor a l’Art Collection.
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Marbella, 1974, y Roquetas de Mar, 1975, de Carlos Pérez Seque.
El trabajo del recién nacido Carlos Pérez Sequoyer Se muestra en una feria de trabajo retrospectiva en Fundación Mapfre. Ganó temprano sus documentales con un reportaje en blanco y negro de 35 mm de los barrios marginales de Almería. Pero es su colorido trabajo el que se roba el espectáculo, mostrando una visión radical e irremediablemente anticuada. Sus escenas de playa de mediados de la década de 1970 evocan un apogeo pasado en el turismo de masas, Amber Sollers y trajes de baño sexys. Sin embargo, el uso de películas en color de formato medio y tono satírico predijo el trabajo de las generaciones posteriores. No es de extrañar que Martin Parr creyera, hasta que se enteró de las fechas relevantes, que el español lo copió.
La explosión del Palacio Real de Madrid proporciona un escenario propicio para Sebastião Salgado y las Colecciones Reales: encuentros en la fotografía de paisaje, una exposición que propone un diálogo entre la obra del brasileño y la de fotógrafos de paisaje seleccionados del siglo XIX. Las estatuas de Majestad se combinan, a través de imágenes de aire, tierra, fuego y agua, para sugerir similitudes históricas. Los organizadores esperan que la exposición ayude a crear conciencia sobre los problemas ambientales y la crisis climática.
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Arriba: El Concierto para cruzar el ecuador en el Capitaine-Paul-Lemerle, 1941, de Germaine Krull. Arriba a la izquierda: Niños en Barcelona, 1937, de Katie Horna (Ministerio de Cultura y Deporte, Centro Documental de la Memoria Histórica). Arriba a la derecha: Madrid, 1977, de Javier Campano.
El 25 aniversario del festival brinda la oportunidad de mirar hacia atrás en los eventos de los curadores. En una oferta especial para imprimir contactos en Museo Románico, Germaine Kroll, una de las fotógrafas vanguardistas francesas más destacadas de la década de 1920, fotografía a bordo de un buque de carga que huía de la Francia de Vichy en 1941: observe a los pasajeros cruzar el ecuador. encuesta efectiva en Calcografía Nacional La documentación de dos fotógrafos judíos destaca la resistencia anarquista durante la Guerra Civil Española. Triste Javier Campano registra la desaparición del Real Madrid que buscaba en las salidas de los domingos por la tarde, que estaban expuestas en Museo Lázaro Galdiano.
Cinco para ver
Fotografía general. Los sesentas
Si puedes recordar la década de 1960, la vieja motosierra es que no estabas allí. Pero esta exposición asombrosamente ambiciosa puede ayudar a despertar algunos recuerdos. Prepárate para un poderoso viaje a través de la Beatlemanía, las luchas por los derechos civiles, el alunizaje, Sueño, Mayo del 68 y la revolución sexual, como punto de partida. Fue la década en la que “todo se puede encontrar, simplemente todo lo que sucede en el reservorio inagotable de imágenes impresas. Todo se vende con imágenes: bienes y experiencias, noticias e ideas, música, arte o literatura”.
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Izquierda: Nova, septiembre de 1968. Derecha: Our Bodies, Ourselves, 1971.
Una plétora de imágenes impresas (en libros de bolsillo, volantes de revistas, libros ilustrados, tiras cómicas, carátulas de LP y más) se presenta como evidencia de la prevalencia recién descubierta de la imagen publicada. Hay algunos originales aquí, pero de acuerdo con el espíritu de las cosas, la mayoría de ellos son reproducciones.
Lamentablemente, hay un aguijón en la cola: la gran cantidad de contenido resulta ser el último gran momento fotográfico, o los últimos momentos, antes de que el primer eclipse sea alcanzado por la televisión.
Fotografía general. Los sesentas En exhibición en CentroCentro hasta el 2 de octubre.
paolo gasparini
Fundación Mapfre presenta un panorama completo de seis décadas de fotografías y libros ilustrados, particularmente en América Latina, del venezolano de origen italiano Gasparini. Su propia marca de fotografía inquieta, poderosa y comprometida de Caracas, La Habana, São Paulo, Brasilia y Ciudad de México se presenta junto con una serie de libros intransigentes que incluyen The Better to See You, Latin America (1972), Karakarakas (2014) y Departure and Regreso (1953-2016).
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Arriba a la izquierda, 26 de julio, La Habana, 1961. Arriba a la derecha, La Niña de la Salina, Venezuela, 1958. Arriba, Carnaval, La Habana, 1962.
Su obra también se ha agrupado en dos poderosas imágenes, Ángel de la Historia (1963-2017) y Brasilia, Dos en Uno (1972-3 y 2003). El gran mosaico destaca temas y conexiones entre grupos de trabajo anteriores para sugerir contrastes sociales y políticos duraderos.
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Brasilia, Two in One (detalle), imagen compuesta, 1972-3 y 2003.
“En los fotomontajes traté de recuperar la memoria (tanto personal como colectiva) que nos permitiera viajar en el tiempo del rodaje, yendo hacia adelante y hacia atrás en la historia y nuestra experiencia”.
La exposición y su producción durante los últimos 60 años atestiguan su convicción de que, en las manos adecuadas, la cámara puede funcionar como una herramienta para la justicia social.
campo de fotos En exposición en Fundación Mapfre hasta el 28 de agosto.
Híbridos
Hybrids muestra el trabajo de 11 jóvenes fotógrafos, seleccionados entre más de 1000 solicitantes, cuyos proyectos exploran el uso de una variedad de medios que incluyen fotografía, video, performance y nuevas tecnologías.
Marina Paulinka, curadora y directora de exhibiciones en Fotografiska Berlin, identifica los intereses dominantes que emergen en el trabajo: “Abordan temas tan diversos como cómo la tecnología, Internet y la producción de conocimiento afectan a la humanidad y la naturaleza; nuestra relación con la mediación de máquinas imágenes de imágenes reales, animales y la Tierra, cómo afecta el calentamiento global en nuestra vida diaria y cuáles son las consecuencias del cambio climático”.
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A la izquierda, Solarophytes, por Maya Savolainen. Derecha, Medianoche, de Carlos Alba.
Por ejemplo, Mayja Savolainen Solarophytes explora la forma en que los rayos solares y UV actúan sobre los humanos, las plantas y la arena. El proyecto Midnight Sun de Carlos Alba aborda la contaminación lumínica urbana y sus efectos potencialmente nocivos e irreversibles.
En otra parte, el proyecto de archivo de Marta Bogdańska, Shifters, ofrece un examen técnico y ético del uso de animales por parte de las fuerzas militares, las agencias de inteligencia y las fuerzas policiales occidentales.
La instalación Swan Song de Alexey Schlick combina fotografía, video y sonido para presentar una exploración de la interfaz entre la existencia humana y la tecnología de la imagen. La producción de falsificaciones profundas y los límites suavizados entre las imágenes basadas en lentes y las imágenes generadas por computadora pueden apuntar a un futuro en el que el papel del fotógrafo está obsoleto.
Híbridos En exhibición en CentroCentro hasta el 25 de septiembre.
Juan Baraga
Juan Barraga se centra en el entorno construido y sus espacios interiores y exteriores, pero su tema puede describirse con mayor precisión como promesas incumplidas. La fruta que cuelga en un invernadero oxidado en Experimento Banana, por ejemplo, es el desafortunado remanente de un audaz intento de posguerra de cultivarla de manera rentable en Islandia, a 285 kilómetros del Círculo Polar Ártico. Son los restos de un proyecto abandonado hace mucho tiempo.
De manera similar, en la serie Utopie Abitative sobre vivienda pública italiana, tomó un objetivo frustrado de las promesas del movimiento moderno en arquitectura. Las baldosas están astilladas, el hormigón está manchado de agua, malas hierbas y pintadas en las paredes. Los bloques están vacíos. Una ironía unida al hecho de que su obra esté tan deslumbrantemente expuesta en los refinados interiores del Museo ICO.
Más recientemente, ha estado trabajando para hacer una crónica de los costos sociales y ambientales de la Línea Y Vasca, una línea ferroviaria de alta velocidad que se completará en 2028 y que se opone ferozmente en muchos sectores (¿suena familiar?). El entorno construido y las promesas que lo acompañan parecen no ofrecer fin a la decepción.
Contra todo lo que reluce: Juan Parra En exhibición en el Museo ICO hasta el 11 de septiembre.
En la luz o la sombra de lo que fue y sigue siendo
Sabes que estás en problemas cuando las vallas publicitarias se quedan en blanco. Las fotos de vallas publicitarias vacías en Beirut y el canario en la jaula del capitalismo de Elsie Haddad documentan el colapso económico en el Líbano con la triplicación de los precios y la devaluación de la moneda nacional.
Su trabajo forma parte de una muestra colectiva en Casa Árabe que presenta los proyectos de 12 fotógrafos que responden a las crisis políticas, ambientales y económicas, incluida la devastadora explosión portuaria de 2020, que asoló el país.
En su serie The Trees Before Last, Eva Saudarjaitou Doihi representó árboles aislados, a menudo contra un fondo de hormigón inhóspito. Todo lo que queda de los jardines y huertas de la ciudad y de los bosques y huertas circundantes.
Los autorretratos de Rima Maroun, en los que aparece enmascarada entre escombros, se encuentran con la epidemia y la explosión de 2020. Las obras de Tarek Hadda y Myriam Boulos están marcadas por los mismos acontecimientos: Hadda adopta un registro meditativo y poético. Boulos usa fotos, testimonios y sus propios diarios en un intento de expresar una reacción a la historia moderna del Líbano.
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Arriba: Mientras estaba de pie en el suelo, 2020, por Rima Maroun. Arriba a la izquierda: Dile a los árboles que sonrían, 2020, de Miriam Boulos. Arriba a la derecha: Silenciosa, 2020, Tarek Haddad.
En la luz o la sombra de lo que fue y sigue siendo casa árabe.
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